El show de Jools Holland

          Uno de los pocos motivos de envidia hacia Inglaterra es el de tener un show de la calidad de “Later with Jools Holland”. Una especie de Saturday Night Live solo de músicos y cada noche un seleccionado de calidad y buen gusto musical.

        15 años de éxito y crítica y ráting en un canal gigante como la BBC. Pero no tiene ningún secreto: escenario circular, invitados mixtos (consagrados, recién llegados, géneros variados), presentador carismático, alguna entrevista corta entre temas, fusión musical y nada más. O nada menos.

          El carisma del presentador hace la otra parte. Holland es un músico (pianista) ex miembro de Squezze, famoso en las islas, gritón, equilibrado y buen anfritión. Imprime ritmo y humor al show. Este Jools no es ningún tonto porque gracias a sus conexiones, tocan en sus discos solistas  músicos de la calidad de Clapton, Cave, Gabriel, Eno y el sexy Tom Jones. Jazz moderno con toques pop y rock como para etiquetarlo.

        En el debe se puede mencionar que son 2 temporadas de 6 capítulos cada una (de mayo a junio y de octubre a diciembre), y que a fin de año hace uno doble de duración. Parece poco y quizás lo es. En nuestra televisión el equivalente sería el programa de Juan Alberto Badía de una vez por semana en el viejo canal 7 estatal, salvando las distancias de calidad de invitados y todos los etcéteras posibles.

        Sería innumerable nombrar los artistas que pasaron por el programa inglés. Todos los importantes de los últimos 15 años, aunque en su gran mayoría artistas británicos. Idea primitiva y funcional, de difícil realización por el peso de los invitados, quedará entonces como un reto a superar en la televisión futura.

        Algunos ejemplos entonces:





    THE HIVES - HATE TO SAY I TOLD YOU SO







     MUSE - 2006 HD

    BLUR - SONG 2









    IGGY POP - LUST FOR LIFE

KORN - Unplugged MTV (2007)

          El ñu metal murió, así como el más poderoso grunge. Pero Korn agiornó su sonido con cellos, violines, trombones, una rara percusión entre flamenca y árabe y hasta una armónica, mostró sus nuevas armas para hacerle frente a la decadencia.

        Sí, últimamente con el típico Greats hits y los covers de Another brick in the wall (Pink Floyd) y World up (Cameo), parecían manotazos de ahogado de una banda perdida en el tiempo, todo acentuando la falta de originalidad.

        Pero llegó el sanador Unplugged de MTV, antes temido enemigo, que luego del muy respetado hecho por Nirvana, es aceptado como un disco y paso de prestigio. Más que oportunistas, los Korn suenan melancólicos. Domados pero no vencidos.

        Al promediar el primer tema Blind, uno respira y piensa que no todo está perdido. La fuerza de Hollow Life, el pianito de Love song, la extraña y bella Falling away from me, hacen pensar que fueron inteligentes con el formato elegido, donde seguramente mucho tiene que ver en ello el arreglador de turno.

         Make me bad/In between days en una mezcla con los Cure y Robert Smith, es de un gusto innegable. La voz y la cadencia inconfundible de Smith sobresale dandole vuelo a la canción. Throw Me Hawai y Freak on a leash con la poderosa Amy Lee (Evanescence) son excelentes versiones. De lo mejor del disco.

          La versión de Creep de los Radiohead es demasiado respetuosa y no aporta nada, pero un tema imposible de hacer mal o arruinarlo por su gran melodía. No hay que olvidarse de la gran voz de Jonathan Davis, no siempre bien considerada o reconocida.

          La deserción de dos de sus miembros originales (Head definitivamente, Silveria no tanto) y los dos últimos e intrascendentes discos, hizo suponer lo peor para los que escuchamos a Korn, pero lograron que la industria los mire de nuevos con buenos ojos. El futuro eso sí, es todavía incierto.

        Una banda de estas características, tan disímiles a un sonido unplugged, supone un plus de interés. Korn cumple hasta ahí. Sin sobrarle nada.

         Sus compañeritos de fama en los 90's -Limp Bizkit- siguen todavía desaparecidos. Korn dio un paso adelante y ofreció su rostro para el cachetazo. Palmadita en el hombro y siga adelante...




      FREAK ON A LEASH - MTV UNPLUGGED

300 - Zack Snyder (2007)

           Un reto el trasladar joyas comiqueras de Frank Miller a la pantalla grande por su gran y ostentoso estilo gráfico y por su no-color y buenos guiones. 300 es del 98', posterior a su Sin City del 91'.

          Hasta las producciones que no lo nombran –Daredevil, Batman- tienen su impronta. Pero una cosa es la adaptación de un comic y otra muy distinta el lenguaje del cine. Ya quedó demostrado en la irregular Sin City (Rodríguez, 2005).

          300 es fiel al original de Miller (se nota en las fotos), pero es mastodóntica por su rigidez, a causa de ser filmada casi totalmente con pantalla azul de fondo, por su pesadez oral, por llevar la cámara lenta de Matrix a límites insospechados (creo que duraría 30 minutos menos sin ella). ¡Hasta la escena de sexo esta en cámara lenta!

         La fotografía es tan impresionante como la de Sin City, fastuosa y monocromática, pero que termina por ser anecdótica por el peso de un guión con frases “épicas” a repetición.

        La batalla de la Termópilas y su veracidad no están en discusión (es una version del comic, no sobre la historia real), pero Snyder no se priva de poner los monstruitos que tan famosos fueran luego del señor de los anillos. Digamos que dentro de su género, sería más honesta que Gladiador (2000), y menos pasional que la Alejandro Magno de Oliver Stone (2004).

          La intención política también mezcla un poco los tantos, y no se escapa que la antigua Persia es la actual Irak, en una historia que muestra exaltados los valores de la sociedad espartana, militarista y autoritaria.

          Allá ustedes con las verdaderas intenciones yankis y de la película misma. ¿O es hilar demasiado fino?



         La crítica en el norte la trato de fascista, de la película más gay de la historia, de un baño de sangre al cuete. No es para tanto. La gente la convirtió en la más vista en los EEUU. La misma historia de siempre.

          Convengamos que no es un plomo tampoco. 300 se deja ver y tiene la acción necesaria. Actuaciones monocordes, vestuario y cuerpos masculinos irreales, batallas interminables en ralenti y hasta resulta risueña y caricaturezca por momentos.



          El film luego de su visión, se convierte en una verdadera lástima por todo lo que pudo haber sido y no fue.

KUBRICK - CHAPLIN - W.ALLEN

          A primera vista, parece una de esas asociaciones vinculadas más a un gusto premeditado que a un análisis minucioso -o aunque sea global- de las características de cada uno de ellos y sus propias obras. Al adentrarnos, obtenemos varios puntos en común.

          Si uno describiese a un director obsesivo y de raíz judía, filántropo y tirano en sus métodos; de autonomía sin par, obra rica y admirada; no se sabría en verdad de a cual de ellos nos estaríamos refiriendo. Por supuesto que también tienen sus notorias diferencias que por contraste, acentúan por ello sus varias y notorias semejanzas.

          De todo esto tratamos de hablar y comprender en esta nota. (De aquí en más, serán CC, SK y WA tanto por una cuestión de fluidez como de espacio).




     Odisea, crímenes y pecados, de tres grandes dictadores


          Las semejanzas -aunque sea de forma un tanto superficial- comienzan ya por lo físico: dificilmente alguno de ellos supere el metro setenta de estatura. De aspecto tímido y un fuerte temperamento en cada caso, son también claros referentes del director independiente y exitoso. CC es el caso más extremo: financiaba sus empresas fílmicas a expensas de la recaudación de la anterior, con el fantasma de la bancarrota que en realidad nunca ocurrió, hasta dar luego el gran e inevitable paso de fundar con sus colegas su propia compañía (la United Artist).

           SK siempre tuvo una autonomía total en todos los aspectos, tanto monetario como de tiempo y forma y a pesar de estar en una mega empresa como lo es la Warner Brothers. Todo lo aprendió luego de sufrir con Spartacus y Kirk Douglas. WA siempre se mantuvo gracias a su cimentado prestigio y a sus películas de bajo presupuesto. Mucho se debe a que los actores aceptan pertenecer a sus obras solo por el sueldo mínimo. La tacañez en los tres casos es antológica.

          CC en sus primeros doce meses de éxito y luego de ganar más de un millón, gastó durante ese mismo período tan solo... 500 dólares. Orson Welles comentó al hablar del crítico teatral George Nathan :"Después de Chaplin, el hombre más tacaño que haya respirado bajo el sol".

           SK siempre se ocupó de todos los detalles, hasta de los más ínfimos que rodeaban a sus películas. Él mismo negociaba con los actores por su cachet en beneficio de la empresa. Según la definición de un actor en su biografía A life in the pictures: "SK era un legendario... ¡tacaño!".

         Meticulosos, los tres trabajaron la mayor parte de su carrera con la misma gente, exigiéndolos al máximo profesional y síquicamente. WA a pesar de su apariencia, es igualmente de terco/parco en el set y quizás tan poco comunicativo que los otros dos.

           Para finalizar con el tema monetario, una frase de WA sobre el final de Love & death nos da la pista: "La clave está, en no pensar en la muerte como el fin de todo, si no más bien, como una nueva manera eficaz de reducir gastos".


     ORÍGENES

          Comenzamos por el lugar de nacimiento. SK y WA nacieron en Brooklyn, en su parte más humilde: el Bronx. Aunque los neoyorkinos pertenecían en verdad a una clase media stándar. En tanto que CC vivió su infancia en la pobreza total. Los tres son de ascendencia judía (CC solo por parte de padre). La analogía luego se hace más clara con el éxodo en común que tienen CC y SK. El primero, un inglés que triunfa en EEUU; el segundo, un norteamericano que realiza sus mejores obras luego de su auto-exilio en Inglaterra. Ninguno de los dos se hizo ciudadano de su nuevo país.

          CC retornaría en su vejez a Europa -luego de su expulsión de América por asuntos políticos- para radicarse en Suiza y no en su país natal. Siempre extranaría con melancolía a su país adoptivo. SK se hacía grabar todas las semanas sus programas favoritos de la tv yanki.

          WA es, fue y será simplemente Manhattan. Aunque tiene en la aliada Francia, su bastión de popularidad y crítica de forma incondicional.




     MÚSICA Y RELIGIÓN

           SK en su adolescencia, antes aún de ser fotógrafo de la revista Look, participaba como baterista en una incipiente banda de jazz llegando a tocar solo en locales de su barrio del Bronx. Más impactante y perdurable fue la utilización que hacía de la música clásica en mucho de sus films también clásicos.

          WA todavía hace presentaciones esporádicas con su propia banda de jazz, aunque no ya todos los lunes como era su costumbre. Ocultándose en un anonimato solo aparente, detrás de su clarinete y su escaso dominio con del instrumento. El más completo musicalmente de los tres fue sin dudas CC.

          Más que correcto violinista y pianista, fue el creador de mucha de la música de sus films, incluso llegó a ganar un Oscar tardío por el famoso tema de la película Candilejas. ¡Y todo ello sin saber escribir música!. Comentaba y tocaba sus ideas al arreglador de turno para que las plasme con la orquesta. Aunque en verdad no sería ningún problema: hasta Lennon confesó no saber hacerlo...


     CRÍTICA Y OBRA

          Fueron tratados por la crítica cinematográfica casi de modo idéntico: alabanzas en sus comienzos, descreimiento e indiferencia hacia el final a pesar de los logros. Toda la etapa muda de CC ha sido descripta como el cénit del genio -luego solo le hacía sombra la mención de Buster Keaton- aunque siempre fue mejor considerado que éste. Luego, entrado los 50's todo cambió.

          A partir de una exposición llamada antiamericana a causa de sus problemas y divorcios con sus mujeres, junto a los varios coqueteos con el comunismo, fueron motivos para ser denostado justo cuando realizaba sus joyas fílmicas: The great dictator y Monsieur Verdoux.

           The killing y Paths of glory en los comienzos de SK fueron saludadas con entusiasmo. Inclusive sus controvertidas obras de los sesentas, Dr. Strangelove, 2001 y Orange clockwork tuvieron todavía buenas reseñas aunque ya no de forma unánime.

           Durante los 80's y especialmente con Barry Lyndon ("pictórica y muerta" llegaron a decir) se ensañaron por su misantropía y pretención literaria. Su última gran obra -Eyes wide shut- pasó desapercibida a pesar de ser "demasiado" para los tiempos que corren. Fue solo un mero pretexto para las necrológicas del autor.

           El problema de WA es la repetición, como si siempre estuviera haciendo el mismo personaje -como CC y Buster Keaton- y la misma película. Sus comienzos fueron humorístico -Bananas, Sleeper y la excelente Love & death- para pasar inmediatamente a su etapa más alabada y seria: Annie Hall, Manhattan, Interiores.

           Luego resurgió con algunas obras de los 80's: Zelig, The purple rose of Cairo, Hannah and her sisters, Crimes and misdemanors para caer nuevamente en la indiferencia de la crítica. Lo dejamos a WA lógicamente para el final, porque aún puede torcer esta regla, como hiciera en Match Point, alabada quizás en demasía.


     NAPOLEÓN

           La fascinación que despertó el estratega corso en ellos es -valga la palabra- fascinante. Siempre se comparó a un director de cine con un militar y más precisamente, con un estratega por la forma de manejarse y el control que ejercen sobre los demás en el plató. Queda claro entonces que la admiración que despierta este personaje no suena tan descabellada. Fue uno de los protagonistas de Love & death, la sátira en donde se intentaba matar a Napoleón, en donde en verdad se criticaba más a la religión que a la politica o al propio personaje.

           SK tuvo dos grandes proyectos inconclusos: A.I. Artificial inteligence (que delegara a Steven Spielberg con el story board completo) y Napoleón. Incluso tenía guardadas fotos de cualquier lugar a donde estuvo el corso, objetos de toda índole, la máscar mortuoria y una bibliografía sin par. Hasta mezclaba la comida con el postre en su vida diaria en homenaje a él.

          En los comienzos, el elegido para tal fin era Jack Nicholson, para pasar luego a Pacino. Circula por internet el guión completo del film que nunca comenzó a realizarse. Muchas de las ideas luego las utilizó para realizar Barry Lyndon.

          CC coqueteó con el personaje varias veces, e incluso tenía ideas para un film y una infinidad de gags. Uno de ellos fue inspirado y creado por Churchill, en una reunión informal entre ambos en donde Napoleón (interpretado por CC claro), saliendo de la ducha y aún desnudo, demostraba su poder con sus lacayos.

          Como haría también SK, dejaría de lado el proyecto y algunas de las ideas originales formaron parte del film The great dictator. Para muestra de la obseción, ver la foto que acompaña estas líneas.





     MUJERES

          En este ítem SK se diferencia claramente de ambos. Su obra es claramente misógina al contrario que los otros dos, redimiéndose solo con Eyes wide shut y Nicole Kidman. Compartió casi toda su vida amorosa con Vivian, ignota actriz y protagonista del bello final de Paths of glory. Esposa fiel hasta el final de sus días, actualmente de gira por europa con una retrospectiva visual de su marido.

           Tanto a CC como WA pueden considerarseles -lisa y llanamente- sátiros sexuales. WA sigue siendo la pareja de su ex hijastra Soon Yi, luego de un escandaloso divorcio de Mia Farrow que también incluyó fotos pornográficas con Soon Yi a sus 17 años, acusaciones de pedofilia con la propia hija en común, etc, etc.

           CC no solo no se queda atrás sino que hasta lo supera. Varios divorcios, uno más espectacular que otro con pérdidas millonarias y con el agregado de las edades de sus cónyuges. Supo tener casi todas sus relaciones con menores de edad, incluyendo a la actriz Lita Grey que contaba en ese momento con tan solo 12 años de edad... Telón lento...


     HITLER Y LA TIRANÍA

          El odio hacia este personaje esconde también mucho de admiración. SK llegó a confesarle a su guionista, judío como él: "Hitler quizás, tenía toda la razón..." ¿Ironía? Su guión sobre el holocausto (en los 90's) llamado Arian Papers, fue dejado de lado por el inminente estreno de Schindler's list de Steven Spielberg.

           La legendaria y famosa bronca de CC por el robo de "su" bigote por parte de Hitler, llevó a filmar The great dictator y a decir, que si hubiese sabido de las atrocidades de los campos de concentración, no la hubiese en verdad realizado.

          WA llega a decir en uno de sus films -Deconstructing Harry-, cuando le preguntan por el holocausto y los 6 millones de muertos -mezcla de falta de respeto e hilaridad-: "Y bueno, los récords están para superarlos..." 

          En Zelig, el "camaleón humano" es encontrado en Múnich al lado de Hitler durante un discurso en un acto de masas (¿?). Junto a su novia logra escapar de la persecución de éstos, robando un biplano y regresando a América. Al contrario que en el caso de Napoleón, no comprendo esta extraña, digamos, atracción con este ser -a todas luces-: des-pre-cia-ble...


      ACTUACIÓN

          Lo original de WA y CC -y podríamos agregar a este grupo selecto también a Buster Keaton- es que ellos siempre hacen de sí mismos. La caracterización se mantiene inalterable, aunque sus personajes vivan distintas realidades en cada film. Prisioneros del encanto de sus personalidades.

           SK en cambio, nunca necesitó de los cameos que fueron tan afectos muchos otros directores famosos y de caracter fuerte como él. Ejemplos de esto fueron las constantes apariciones de Alfred Hitchcock, el también afecto Martin Scorsese y los actuales (y también originales) cameos de M. Night Shyamalan.


     CITAS

          De CC no se tienen muchas referencias sobre alguna opinión. Solo una y muy importante en este caso. Jerry Epstein, el productor de La condesa de Hong Kong (último flm de CC de 1966), contó que una tarde lo llevó junto a su esposa Oona al ABC Fulham Road Cinema a ver 2001, odisea del espacio, y esto comentó: "Al salir, ambos estaban sobrecogidos y Charlie lloró por la transparente belleza de su realización."

         SK también fue durante su vida poco afecto a las entrevistas, pero hablando con su guionista durante el armado de Eyes wide shut en Aquí Kubrick, hizo un comentario de una película de WA: "¿Has visto la nueva de Allen, Maridos y mujeres? Es una película bastante buena. ¿Te has fijado en una cosa? El tamaño del departamento donde viven. Se supone que el tipo es una especie de editor literario o algo así y viven en un piso enorme. Eso está muy bien pra poder mover las cámaras pero parece demasiado caro para un editor."

           Al consultársele en 1964 sobre sus diez films preferidos, eligió entre ellas a Luces de la ciudad de CC; y al referirse a la pregunta de si prefiere algún estilo particular de rodaje (Sight and sound, 1972) agregó: "Si algo está ocurriendo realmente en la pantalla, no es importante la forma en que sea filmado. Chaplin tenía un estilo tan simple que era casi como I love Lucy, pero uno siempre estaba hipnotizado por lo que ocurría, sin notar el estilo esencialmente no cinematográfico. Frecuentemente usaba escenarios baratos, iluminación rutinaria y demás, pero hizo grandes films. Ellos durarán probablemente más que los de ningún otro. Se podría decir que Chaplin era nada de estilo y todo contenido. A la inversa, lo opuesto puede ser visto en los films de Eisenstein, que era todo estilo y ningún contenido o dependiendo de lo generoso que se quiera ser, poco contenido. Obviamente, si uno puede combinar estilo y contenido, se obtiene el mejor de los films posibles."

          WA no solo admira y es un confeso fan de ambos -con predilección por CC-, si no que aparece en sendas biografías fílmicas dialogando de la importancia de sus obras. Sobre SK (A life in pictures, 2001):

           "Orson Welles y Stanley Kubrick fueron dos artistas trascendentales en términos de ser artistas, genuinos, sin ataduras. Así que lo pondría en el panteón de los máximos directores de cine que el mundo ha visto."

           "Cuando ví 2001 por primera vez no me gustó, me decepcionó mucho. Tres o cuatro meses después estaba en California con una mujer diciendo que era un film maravilloso. Volví a verla y me gustó mucho más la segunda vez. Un par de años después, la ví de nuevo y pensé: Oh, es una película realmente sensacional. Fue una de las pocas veces en que descubrí que el artista estaba muy por delante de mí."

           Sobre CC (The life and art of Charles Chaplin, 2003) comentaba:"...En Luces de la ciudad explora de manera no verbal todos esos sentimientos. Es un paso que le quita al sonido. Pienso que es su mejor película."


     FINAL

          El National Film Preservation en 1991, eligió a 2001 y Luces de la ciudad entre otros films, como forma para asegurar su conservación para la posteridad, con fines educacionales de estudio y exhibición.

               Mas allá de toda analogía, indudablemente son tres de los más grandes artistas de la historia del cine.

          "Yo nunca he creído en Dios. No, yo nunca, ni cuando era niño. Yo siempre he pensado que aunque exista, a hecho tan mal las cosas que no entiendo como la gente no se une para presentar una demanda conjunta contra Él..."

W. Allen, All says I love you 1996

GRACIAS MARTIN PALERMO!

          A raíz de la nota publicada en este blog sobre el delantero estrella de Boca Juniors, Martín Palermo, hemos salido publicados en los dos más prestigiosos (y vendidos) diarios del país: Clarín y el deportivo Olé.

         El tema es que el rubio sigue haciendo historia: el gol de media cancha, 3 goles el otro día a Estudiantes, 4 goles ayer a Gimnasia, batiendo récords continuamente y demostrando que a los 33 años tiene cuerda para rato.

         Muchos comentarios en el blog, algunos con muy buena onda y otros no tanto, peleas entre hinchas de Boca y River, muchas mujeres opinando y lo más importante, la repercusión de este blog artístico gracias a ustedes, el cual sin dudas se engrandece con sus opiniones, con gente como Palermo y con el aporte y el arte del fútbol mismo.









LINK DE OLEhttp://www.ole.clarin.com/notas/2007/03/19/um/01383531.html







LINK DE CLARINhttp://www.clarin.com/diario/2007/03/19/um/m-01383534.htm

Gracias por las palabras de los escritores de Olé y Clarín. 

El arte sigue atacando con Martín Palermo...

NADAL VERSUS FEDERER

         Cada uno con su gusto definido. En cuanto a tenis hay quienes prefieren la victoria con un juego fino, atildado, con calidad y clase. Otros les gusta ver ganar con garra, con pasión y coraje, con los dientes apretados dando todo de sí y hasta un poquito más. Decir Federer versus Nadal es lo mismo. Las dos son válidas siempre sabiendo que sin talento... no se llega muy lejos. Trasladado al mundo del tenis hay una rivalidad al mejor estilo del pasado: Los Borg o los McEnroe, Los Sampras o los Agassi, los Connors o los Vilas.

           Con jugadores argentinos podríamos citar a los Coria y los Gaudio, a diferencia de otros jugadores mas importantes como Nalbandian o Del Potro que no tiene "rival" de estilo comparativo. En los 80's reinaba el juego glacial del sueco Bjorn Borg, un maestro total con nervios de acero, golpes fuertes y precisos, un estratega con un par de piernas de acero. Un frontón humano.

         Y también lo hacía el explosivo John McEnroe, todo nervio y talento. Tan genial como loco, habilidoso, caprichoso e irregular. Muñeca de oro.

El único jugador que echaron de un partido por su temperamento y el único que volvía loco, literalmente, a Borg.

ONE & TWO

         Hay más ejemplos para dar pero la idea es hablar de Federer y Nadal, los grandes tenistas de hoy. El 1 y el 2.

Casi amigos a pesar de lo individualista del deporte blanco. El talento como formas distintas de juego.

Quien puede dudar de que Federer no es un justo nùmero uno. Sus golpes son casi perfectos, su psiquis es inquebrantable, demuele a sus rivales con su sola presencia y su falta de fallas. Pero el juego de Rogelio -y el mismo- es aburridìsimo.

          Prefiero por mucho los gritos de Nadal, a su esfuerzo físico evidente, a sus festejos al borde de la burla. Prefiero la sangre con la que vive e imprime a todos sus partidos, aún los que pierde. Roger tiene un solo gesto para TODOS los matchs. Un poco insufrible. No es tan "perfecto" el español como el suizo (ya las mismas nacionalidades nos dicen sus reales características) y Roger es más regular en los distintos pisos de juego.

         Y no creo que Nadal le arrebate el primer puesto en poco tiempo, pero eso en verdad, no es lo que importa.

Como no es poca cosa el hecho de que el español "tiene de hijo" a Roger en enfrentamientos personales.

Puede llegar a ser su gran talón de Aquiles con el correr del tiempo y si el fìsico no le falla antes por el gran esfuerzo partido a partido del mallorquín. La caballerosidad de Federer y su humildad son muy valorables, tanto como la garra y el amor propio de Rafa, que no es menos humilde tampoco a pesar de su exteriorización mas marcada.

          Federer/Nadal, Nadal/Federer. No se puede no tomar partido, es inevitable. Vos decidí cual...

PULP FICTION PIC

          Es raro una entrada con solo una foto, que sea el fin mismo de ella. Pero esta imagen me impactó por varias cosas. Por su calidad de la imagen, el fondo, por el elenco (un auténtico dream-team).

        Por lo descontracturada (mitad en pose, mitad no)  y hasta por incluir casi a escondidas a su director/actor entre los protagonistas.

        Pero el solo recuerdo de esta gran película se lo merece. Pulp Fiction es grande...

MOTOS Y CINE

          Este Motos y cine completa el anterior Motos y rock en otra unión con muchas pelis y gente involucrada en una historia que sería interminable si nos ponemos detallistas.

          Recorramos algunos ejemplos para demostrar esta fascinante y lucrativa unión.

CLÁSICOS

          En la prehistoria del cine, quien otro que el innovador Buster Keaton para comenzar. Anduvo en moto en quizás su mejor película: Sherlock Jr. y el más original: ¡manejaba la moto subido al manillar! haciendo de su propio doble de riesgo(?). Luego los clásicos continuaron con Elvis Presley, Marlon Brando y James Dean. Tres fanáticos de las motos, todos en papeles que quedaron en el inconsciente colectivo de la gente.

          Easy Rider es LA peli ícono de motos y de la libertad en dos ruedas. Una larga travesía por las carreteras de norteamérica de la mano de Henry Fonda y de Jack Nicholson. Con el plus del himno de los Steppenwolf (Born to be wild) de fondo.

UN POCO MAS CERCA

          Es justo empezar la modernidad con Mickey Rourke y Don Johnson, que en Harley Davidson y Marlboro Man, hicieron una oda a las motos y al alcohol. Mad Max con Gibson, Kurt Russell en Escape de los Angeles, Banderas en Mujer Fatal, Bruce Willis en Pulp Fiction, todas ellas con buenas escenas motoqueras.

          Quién no recuerda la terrible Harley de Arnold en Terminator, una combinación letal junto a la escopeta de 2 caños y las botas de cuero. Inolvidable.

         La excepción a la regla es que hasta el nabo de Richard Gere anduvo en una Triumph en Reto al Destino. También Michael Douglas supo andar rápido en Lluvia Negra y el James Bond con su fina BMW 1200.

           En el comic, la moto gay de Robin y la de Gatúbela/Alicia Silverstone pierden en comparación con las de Wolverine en X-Men, la rara en Spawn, la belleza carnal de Pamela en Barb Wire y la de la sexy gatúbela negra Halle Berry. Pero ninguna ni de cerca con la terrible moto en llamas de la nueva Ghost Ryder con Nico "sobreactuación" Cage.



     ESCENAS BELLAS

          Chicas en motos y buenos momentos. Ya nombramos a la Berry y a Pamela. Las tres mujeres de los Angeles de Charly y la carrera irreal de motocross al son de Prodigy.

          Las mejores persecuciones fueron en Matrix Reloaded, con la bella Trinity al mando de una Ducati por una autopista interminable. El mejor paseo con estilo fue el de Uma Thurman en Kill Bill, de un impactante amarillo.

          Si hablamos de belleza, Angelina Jolie y su Lara Croft en Tomb Raider, no puede quedar afuera. Y tenemos que incluir un comercial por ser protagonizado por Jennifer López y Beyoncé en motos negras tomando Pepsi. El summun del placer.





     MÚSICOS

          Elvis estuvo en varios de sus "films" en moto y las usaba en su vida real. Sting en Quadrophenia es recordado por su rara moto scooter y por ser la imagen ícono de ese film.

          Prince en Purple Rain hizo historia con su customizada moto, que no es más que una simple y regordeta Honda 1400 que con el carenado y la pintura púrpura, parece una moto de ciencia ficción. Causó furor. La usa en todo momento en el film hasta convertirse en la coprotagonista real de la película. Vuelve a utilizarla en la secuela llamada Graffiti Bridge pera esta vez de color negra.




     FANS


         Steve Mac Queen y Mickey Rourke a la cabeza. El primero hasta incluía escenas de motos -inexistentes- para los films en los que actuaba.  Rourke hizo La ley de la calle y la nombrada antes con Don Johnson. Hay otros dos actores mas modernos reincidentes en el tema: Sylvester Stallone y Tom Cruise. Tanto Rambo como Rocky, las dos creaciones monstruo de Sly, anduvieron en moto. También lo hizo caracterizando al duro policía Dreed en El Juez.

          Tom comenzó con la Kawazaki GPZ 750 de Top Gun y siguió en Misión Imposible, donde lo "imposible" era en verdad como se usaban las motos. El director John Woo hace lo que se le da la gana, incluyendo contrariar las leyes de la física. El petiso Cruise frena la moto con los pies, salta sobre ella de lado a lado, dispara, vuela con ella, todo en movimiento y a 150 Km. por hora. A dejar el moscato Woo!

Pero también demuestran el amor por las dos ruedas como todos los anteriores casos mencionados.